「在什麼樣的條件下，可以構成展覽場地？」策展人莊偉慈說。
想像當你走進台北市某個車水馬龍街上的辦公大樓，經過前台接待、展覽海報等一連串指認此地為「展場」的明示與暗示後，緊接著在「展場」裡聽到隆隆車聲時，你會認為這些聲音是來自大樓外的環境音，還是來自展場的聲音？相信對多數熱愛當代藝術的朋友們來說，對於「什麼才可以被認為是藝術」在過去已經有無數辯證，但展覽《沙漠》理想討論的，並不是這個。
「這讓觀者重新去思考，藝術品中介於空間的效力是什麼。」
在展覽《沙漠》的現場正中央，是一大塊台灣朋友們必定相當眼熟、藍白相間的條紋防水布處在「展場」正中央。其實，這並不是一個被藝術家憑空想像中來的畫面，而是藝術家吳家昀經過台北市西門町附近某個捷運站口時，遇到的一個似乎是因為工程尚未告停而覆蓋防水布的真實現場，而如今，它並不是出現在大馬路邊，而是出現在「展場」裡。「如果沒有創作的介入，其場域是否仍有獨立的意義？」藝術家吳家昀說。
受邀參與展覽《沙漠》座談的策展人莊偉慈，一面談著此次展覽內容，也一面回顧著與此次展覽與藝術家頗有影響的2021年C-LAB《勒法利計畫》。「展場是什麼時候被指認出來，是藝術家在裡面放了一件作品嗎？它有一個定義上可以被辯證的地方。而這個時候，當日常生活裡面看起來很平凡的物件，被去脈絡化之後進入展場時，它就是會有一個比較奇異的狀態。」莊偉慈說。
這些，都是只會存在於空間裡一段時間，不久後就會被抹除的事物。
與多數藝術學院出身的藝術家不同的是，吳家昀的創作以電影為實踐起點。也因此令她理解到，無論是「藝術展覽」或是「電影攝製」，他們總是需要空間且不斷地經歷著「從無到有的過程」；同時，電影和視覺藝術在當代狀態下雖也經常性地發生在非場館/非片廠的場域，卻最終也都走向體制的狀態。「換句話說，每檔展覽從佈展到撤展、每場戲從場佈到復原，其中的更迭突顯了日常的虛無，這些虛無卻成為殿堂裡的藝術。」吳家昀說。
在展場中，散置在作品周圍的，是吳家昀從街邊找來的大小碎石、以及居住在台灣已久的朋友們會相當熟悉的紅磚色盆器與植栽。而在防水布正下方的木棧板，也真實如電影場景般。
藝術，究竟是因何而使人們能在觀看過後，也隨之擁有感性經驗？
在覆蓋整個展場的裝置作品一旁、紅磚色的盆栽之上，藝術家將展覽場地「洪建全基金會」尚未經過「佈展」的原始空間影像紀錄起來。「這些被視為載體的拍攝場景或展覽空間，他們在輪番被「無中生有再抹除痕跡」的過程裡，是否仍有著各自的主體性？」對吳家昀來說，藝術之所以能夠帶給人們感性經驗，並不是因為眾人一同將作品高舉，而是藝術家與觀眾共享著一段關於作品與空間本身的哲思。
當造型及內容不明確的「＿＿」裝置於等待被佈展的空間，「＿＿」便因著空間的目的與符號進而成為一件作品，並隨有限的展覽時間存在與逝去。在羅斯福路的海市蜃樓裡，《沙漠》試圖辯證著：創作者之於創作發生的場域、場域之於作品、作品之於日常、日常之於虛無；這裡空無一物，只有綠洲，只有幻覺。
吳家昀（Wu Chia Yun），導演和視覺藝術家，1988年生於臺灣，畢業於英國皇家藝術學院視覺傳達研究所及國立臺灣藝術大學電影碩士班。她的創作以電影為創作實踐起點，進而展開至空間裝置及觀念性的編導，為探索影像的內在物質性，亦將敘事方法、場面調度、鏡頭語言等延伸至跨媒體的實驗，發展出穿透在媒材間的動態－靜態影像。除了傾向本體論的影像擴延創作，他也拍攝劇情電影，透過人物及情節敘述無以名狀的生命問題，探究歸屬感、自由、人的狀態等處境，反映平靜中的隱晦動盪，呈現日常情感的不可視和不可觸。
他的首部電影典藏於歐洲獨立電影頻道（法國，2015），近年入圍放映機錄像藝術節（西班牙，2019）、歐洲媒體藝術節（德國，2020）、國際相會影展（法國，2021）、純藝術電影節（美國，2022）、倫敦短片電影節（英國，2022）並獲英國影藝學院電影獎資格認證，曾於倫敦當代藝術中心、巴黎羅浮宮劇院、柏林世界文化中心等重要機構展出；他亦曾參與魁北克藝術與文學委員會及紅地毯電影協會的劇本寫作計劃（加拿大，2022）和尼達國際攝影論壇的駐地創作計劃（立陶宛，2022）。
《沙漠》吳家昀個展 In Desert – Wu Chia-Yun Solo Exhibition
- 展覽日期｜2022.07.16 – 08.13
- 展覽地點｜洪建全基金會（臺北市中正區羅斯福路2段9號12樓）
- 藝術家網站｜點擊這裡。
- 相關閱讀｜你認為，場域存在的必要該怎麼衡量？討論意義前，應該先討論人：C-LAB《勒法利計畫》Project: The Folly at Taiwan Contemporary Culture Lab
